Today is Art Day Art Jigsaw 1.000 Teile Puzzle - Meisterwerk-Kunstdesign(s) auswählen

Maße 27.5" x 19.5" (70 cm x 50 cm) - 1,000 Stück


Vincent van Gogh - Irises
Vincent van Gogh, ein produktiver niederländischer Maler, der sein Leben lang unter psychischen Erkrankungen litt, entschied sich im Mai 1889 für den Eintritt in eine Nervenheilanstalt in Saint-Rémy, Frankreich, wo er im letzten Jahr vor seinem Tod fast 130 Gemälde schuf. Irises war das erste Gemälde, das Van Gogh nach seiner Ankunft begann. Jedes Irisblatt im Gemälde ist einzigartig, mit unterschiedlicher Schattierung, Form und Größe und mit derselben Präzision gemalt wie Van Goghs Porträts. Es gibt keine Wiederholung, sondern eine endlose Vielfalt geschwungener Silhouetten. Nur eine Blüte hat jedoch eine völlig andere Farbe. Er malt die Blumen mit Bewunderung und Freude.

Vincent van Gogh - Starry Night
The Starry Night wurde im Juni 1889 von Vincent van Gogh gemalt und ist eines der bekanntesten Gemälde der westlichen Kunst. Dominierend sind lebendige Blau- und Gelbtöne, die mit nachdrücklichen, wenn nicht frenetischen Pinselstrichen aufgetragen wurden. The Starry Night ist ein Beispiel für Van Goghs kraftvollen Ausdruck von Emotionen durch Farbe. Die in diesem Werk dargestellte Ansicht stammt aus dem nach Osten ausgerichteten Fenster von Van Goghs Anstaltszimmer in Saint-Rémy-de-Provence, ergänzt durch ein imaginäres Dorf. The Starry Night ist das einzige Nachtgemälde in der Serie von Ansichten aus seinem Schlafzimmerfenster.

Edvard Munch - The Scream
Inspiriert von einer Halluzination ist das eindringliche Ölgemälde The Scream des norwegischen Malers Edvard Munch eine Ikone der modernen Kunst. Es soll die moderne spirituelle Qual symbolisieren. The Scream ist Munchs Interpretation eines Schreis, der die Natur durchdringt und vom Künstler während eines Spaziergangs erlebt wurde, nachdem seine beiden Begleiter, die im Hintergrund des Gemäldes zu sehen sind, ihn verlassen hatten. Obwohl scheinbar autobiografisch, ist das Motiv des Gemäldes verzerrt und weist keine physische Ähnlichkeit mit dem Künstler auf, sondern vielmehr seinen gequälten Zustand des Seins. Munch verwendete dramatische Linien, um Emotionen in seinem Werk zu vermitteln. Die wiederholten, wirbelnden Kurven des leichenähnlichen Gesichts, der Hände und des Körpers der Figur spiegeln sich in der Landschaft wider und erzeugen ein Gefühl der Angst, das sich über die Figur hinaus in die gesamte Welt bewegt.

Edward Hopper - Nighthawks
Edward Hoppers berühmtestes Werk, Nighthawks, ist nicht nur eines der bekanntesten, sondern auch eines der einfühlsamsten Gemälde der amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts. Es wird seit langem als das ikonische Gemälde der Einsamkeit und Entfremdung positioniert. Das Gemälde zeigt ein die ganze Nacht geöffnetes Diner, in dem drei Kunden zusammenkommen, alle Fremde füreinander. Hopper verwendete seine Frau Jo als Modell für die rothaarige Frau und sich selbst als Modell für den Mann mit dem Rücken zum Betrachter. Da es keine Tür gibt, um das Diner zu betreten, bleibt der Betrachter draußen, um die Melancholie und Isolation von drei Fremden zu beobachten, die nicht in der Lage sind, sich zu verbinden. Hopper sagte über dieses Gemälde: „Unbewusst, wahrscheinlich, malte ich die Einsamkeit einer großen Stadt.“

Georges Seurat - A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte
Georges Seurats Meisterwerk A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte ist ein führendes Beispiel der pointillistischen Technik. Es ist ein Gründungswerk der neoimpressionistischen Bewegung. In seinem größten Gemälde zeigt Georges Seurat Menschen, die sich in einem Vorortpark auf einer Insel in der Seine namens La Grande Jatte entspannen. Ihre Stille ist ebenso rätselhaft wie faszinierend. Als es erstmals in Paris ausgestellt wurde, stark kritisiert und verspottet, gilt dieses Gemälde heute als Georges Seurats größtes Werk. Mit wissenschaftlicher Präzision setzte er winzige Farbtupfer nebeneinander, die durch optische Mischung einen einzigen und seiner Meinung nach strahlenderen Farbton bilden.

Monet - Bridge Over A Pond of Water Lilies
In den letzten 30 Jahren seines Lebens suchte Claude Monet die Inspiration nicht weiter als in seinem eigenen Garten und schuf eine Serie von etwa 250 Ölgemälden. Bridge over a Pond of Water Lilies, gemalt in 1899, repräsentiert zwei seiner größten Errungenschaften: seine Gärten in Giverny und die Serie von Gemälden, die sie inspirierten. Üppig und grün, wird die vorherrschende Verwendung kühler Blau- und Grüntöne in der ruhigen Szene durch ein komplexes Muster zart gefärbter rosa, weißer und gelber Seerosen ausgeglichen, die auf der Oberfläche treiben. Insgesamt gibt es 17 Gemälde, die die japanische Brücke darstellen, die Monet über seinem Teich baute. Die Struktur ist bei verschiedenen Licht- und Wetterbedingungen zu sehen.

Monet - Woman with a Parasol
In Woman with a Parasol – Madame Monet and Her Son (1875) zeigt Claude Monet, dass er ebenso talentiert als Porträtmaler wie als Landschaftsmaler ist. Er fängt seine Frau und seinen Sohn in einem unerwarteten Moment während eines Spaziergangs an einem windigen Sommertag ein. Sonnenlicht scheint auf ihren Rücken, während Gelbtöne der Blumen unter ihr ihr Vorderteil sprenkeln. Seine charakteristische leichte und spontane Pinselarbeit erzeugt Farbspritzer über die Leinwand: Das Grün der Wiese spiegelt sich in der Unterseite ihres Sonnenschirms wider; die aufquellenden Wolken und der wirbelnde Rock von Madame Monet vermitteln ein Gefühl der Bewegung gegenüber der statischen Figur von Jean, seinem Sohn, der für die Tiefe im Hintergrund platziert ist.

René Magritte - The Treachery of Images/This Is Not A Pipe
Dies ist keine Pfeife...oder doch? Diese Frage stellt The Treachery of Images, ein klassisches Beispiel surrealistischer Kunst des berühmten belgischen Malers René Magritte. The Treachery of Images ist Teil einer Serie von Gemälden, die Bilder mit Worten kombinieren. In seinem charakteristischen nüchternen illustrativen Stil fordert Magritte den Betrachter mit dem Paradoxon von Sprache und visueller Darstellung heraus. Er sagt „Ceci n’est pas une pipe (Dies ist keine Pfeife)“, weil es keine Pfeife ist: es ist ein Bild davon. Unverhohlen einfach, ist dieses Öl auf Leinwand ein Meisterwerk des Surrealismus.